Malika Favre, artiste fusionnant le Pop Art et l’Op Art, séduit par ses compositions visuellement saisissantes, grâce à son usage novateur de l’espace. Malgré les défis de l’industrie en mutation, elle souligne l’importance de l’authenticité et de la créativité pour maintenir une connexion durable avec le public.
Votre travail combine souvent des éléments du Pop Art et de l’OpArt. Pouvez-vous discuter de l’influence de ces mouvements sur votre vision artistique ?
Au début de ma carrière, quelqu’un a décrit mon travail comme une rencontre entre l’Op Art et le Pop Art et cela a d’une certaine manière pris. Bien que je ne catégoriserais pas mon travail comme faisant partie de l’un ou l’autre, les deux mouvements artistiques sont des sources d’inspiration profondes pour moi. L’Op Art pour son ingéniosité visuelle et le Pop Art pour son esthétique accessible mais aussi sa résonance avec la société et l’époque dans laquelle nous vivons. J’aime jouer des tours au spectateur en cachant des récits à l’intérieur de mes images, à travers l’utilisation de l’espace négatif, des jeux d’ombres ou des illusions d’optique afin de raconter une histoire complexe en une seule image. D’un autre côté, j’aime croire que mon travail est très séduisant et plaisant pour l’œil, une qualité qui pourrait être perçue comme superficielle si elle ne véhiculait pas un message plus profond. Il y a quelque chose d’irrésistible dans la beauté et je le vois comme un moyen très puissant d’entrer en connexion.
L’espace positif et négatif joue un rôle significatif dans vos compositions. Pourriez-vous partager votre approche pour équilibrer ces éléments efficacement ?
Jouer avec l’espace négatif a toujours été au cœur de mon travail. Probablement en raison de mon expérience en design graphique. On m’a appris à considérer à la fois la forme et le contre-forme lors de la conception d’identités et de logos, et j’ai finalement appliqué ces mêmes principes à l’illustration. Je crois fermement à l’application des principes visuels de la Gestalt afin de raconter une histoire avec le moins d’éléments possible. Lorsque je travaille avec l’espace négatif, j’essaie toujours de considérer quels éléments le cerveau interprétera en premier, quelle histoire sera perçue au premier coup d’œil et quelle histoire secondaire puis-je cacher pour le spectateur. C’est devenu un jeu pour moi et c’est quelque chose que j’apprécie énormément.
Vous avez travaillé avec une gamme diversifiée de clients, du New Yorker à Vogue. Comment adaptez-vous votre style pour répondre aux besoins de différents projets et publics ?
Je crois que s’adapter à un public a davantage à voir avec l’empathie qu’avec autre chose. J’ai un style très défini composé de variations subtiles et de changements, allant du plus minimaliste et plat aux scènes les plus élaborées, des grilles isométriques aux grilles de perspective traditionnelles, etc. Le sujet que j’illustre décide de ma direction visuelle. Lorsque je joue avec des illusions d’optique et des illustrations conceptuelles par exemple, j’ai tendance à être très minimaliste, à la fois visuellement et en termes de palette, afin de ne pas parasiter le message. En ce qui concerne le New Yorker, en revanche, j’opte souvent pour des illustrations qui portent une forte narration. Le message caché, bien que présent dans la plupart de mes travaux, n’est pas nécessairement révélé par un tour visuel dans ce cas, mais peut être compris à un niveau symbolique.
Comment restez-vous inspirée et motivée pour continuer à évoluer en tant qu’artiste, surtout dans une industrie en constante évolution ?
C’est toujours un défi, si je suis honnête. J’ai le sentiment d’être entrée dans l’industrie au moment parfait, lorsque l’illustration était en plein essor au Royaume-Uni et à l’international il y a quinze ans. J’ai vu de nombreux changements et évolutions de l’industrie depuis lors, depuis l’explosion des médias sociaux et le besoin de campagnes digitales éphémères (et souvent mal rémunérées) qui en a résulté. Il semble que le travail ne suffise plus à lui-même et qu’il y ait de plus en plus de pression pour que l’artiste lui-même devienne une marque. On ne peut plus se cacher derrière le travail. Comme toute médaille, il y a deux côtés à cela mais cela demande aux jeunes illustrateurs de porter de nombreux chapeaux, d’être constamment en train de s’adapter et de se transformer pour rester en avance sur la courbe. Parfois, je me sens découragée par l’état général de l’industrie mais j’essaie de me rappeler qu’il y a toujours de la place pour la créativité et le talent. L’art est la chose la plus universelle qui soit et les artistes auront toujours un public, tant qu’ils créent un travail authentique et puissant.
